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Archive for the ‘Amérique du nord’ Category

LA NEIGE

21 mar

La beauté de la neige en ce matin
Est un envoûtement
Une belle nature
Un équilibre harmonieux

Fous, les monticules de neige
Ronds, les rebords de cheminées qui coulent de flocons
Beautés inoubliables qui balisent les rues
Les tranchées albâtres abritent nos espoirs
Comme des coteaux brodés de coton vierge

Une vague docile de crème laiteuse et sauvage
Ravage avec l’aide du vent l’immense place de nos rêves
Partout c’est l’allégresse des sensations et des couleurs

Ruelles blanches et gorgées de poudre bleue
Trottoirs saupoudrés par les chutes nocturnes
Font un accueil royal aux passants de l’aube

Sous les rayons matinaux
Les toits font le dos rond
Sapin sur la cour avant aux branches chargées de neige

Ce reflet du soleil dans les cristaux
Dis pour ton regard intime
La beauté de tes yeux hier soir

Avec la neige qui roule sur les façades urbaines
Avec le sourd écho des âmes aimantes
Avec le tendre velours blanc des collines enneigées
Avec le coma subliminal des orgasmes givrés
Avec la couverture nacrée qui recouvre la ville
Avec la mélodie feutrée des sons
Un contraste sorcier habite nos pensées
Nous respirons l’air léger rempli de douceur

Tant de bonheur à être ensemble
Tendres baisers en cette matinée enneigée.

Yves ALAVO
Mercredi 20 mars 2013.
Journée internationale de la francophonie.

 

MICHEL DALLAIRE, NOBEL DU DESIGN

14 mar

Le bonheur de vivre, la joie de créer, le tonus de la jeunesse créative

Quarante années à chercher, user des yeux, imaginer, inventer, sans cesse, aimer les personnes, comprendre les besoins les plus kinesthésiques et combien l’espace, les volumes, les matériaux, les métaux, le bois, toute matière, chaque sensations, chaque rythme induit un volume spatial, comment notre cerveau est en constante adaptation et demande au corps de s’y faire. Le design, c’est cette capacité d’anticipation sur le réel mais aussi cette capacité d’harmonie avec le réel. Michel Dallaire y est dans son élément, c’est un créateur, un passeur de rêve qui, comme artiste, comme passionnée du mouvement sait vivre avec les contraintes de la pesanteur.

Maison, voitures, torche olympique, mobilier, structures, tout le mobilier urbain de la Place internationale de Montréal, le mobilier de la BANQ, Bibliothèque et archives nationales du Québec, rue Berri à Montréal, c’est lui l’accoucheur du patrimoine.

Révolution dans la création, la torche olympique une oeuvre de 1976

Son site est sobre, mais ouvert sur l’infini : Michel Dallaire Design Industriel Inc. est un bureau d’étude en design industriel qui œuvre à Montréal depuis plus de 40 ans.

Par la réalisation d’une grande variété de projets allant du design d’objets utilitaires aux équipements industriels, du mobilier institutionnel et urbain au matériel de transport, MDDI a acquis une solide expérience professionnelle.
La diversité de ces domaines d’intervention a permis à MDDI d’explorer une multitude de matériaux et de procédés de mise en forme. De vastes connaissances techniques alimentent en outre le potentiel créatif de son personnel, cela dans le but de maximiser les résultats.

Vivre avec art et soutenir la culture et ses acteurs

Engagé, animateur de cercles de création, auteur intarissable qui s’unit aux artistes, donne temps, idées, énergie et argent au sein de sociétés artistiques et culturelles, la poésie, la musique, le design, bien sûr, Michel Dallaire est sur le front des arts et de la culture comme le plus extraordinaire médiateur. Généreux, mentor de la plupart des designers de la génération Québec qui brille de part le monde depuis vingt ans, Michel Dallaire invente toujours et toujours, un art de vivre, une manière d’être, avec la patience des sages et la fougue de la jeunesse.

Ce vélo a fait le tour de la planète, Michel Dallaire en est le créateur

Une rétrospective dans l’Espace création Loto Québec, en septembre 2011, a offert, en un lieu, la diversité des créations de ce génie boulimique, sous la thématique articulée :
Un homme. Un parcours. Des créations. Découvrez le designer et sa démarche artistique.

Yves ALAVO

Notes biographiques

Michel Dallaire est né à Paris en 1942. Il a fait ses études à l’Institut des arts appliqués de Montréal et à la Konstfackskolan, l’École supérieure des arts industriels de Stockholm. Il s’est par la suite spécialisé en gestion du design à l’École des Hautes Études Commerciales et en transformation des polymères à l’Institut de génie des matériaux du Centre national de recherche à Montréal.

Dès 1967 (25 ans), Michel Dallaire s’affirme comme concepteur indépendant et il ouvre son propre bureau d’étude qui connaît alors un enchaînement rapide de succès commerciaux et professionnels.

Médaillé d’or en 1986 aux Prix d’excellence du Canada, il reçoit de nombreuses récompenses prestigieuses ici et à l’étranger, notamment le Grand Prix du 27e Salon International des Inventions de Genève en 1999, ainsi que trois médailles d’or et une d’argent de ce même salon depuis 1998. En l’an 2000, l’Institut de Design Montréal lui remet son Grand Prix et son Prix Spécial en recherche. Le ministère des Affaires culturelles lui décerne en 1991 le Prix Paul-Émile-Borduas pour l’ensemble de son œuvre, la plus haute distinction accordée par le gouvernement du Québec dans le domaine des arts visuels.

Son champ d’activités est très varié et couvre notamment le design d’objets utilitaires, les produits industriels et institutionnels, le mobilier urbain et le matériel de transport. Michel Dallaire fut dernièrement conseillé principal auprès d’Air Canada pour le design de tous les produits en cabine pour sa flotte Amérique du Nord et sa flotte internationale. Parmi ses récents projets, mentionnons le design du mobilier urbain du Quartier international de Montréal qui a reçu plus de 17 prix prestigieux tant au Canada qu’à l’étranger et aussi la conception de l’ensemble du mobilier destiné au public de la Bibliothèque nationale du Québec (BANQ).

Depuis 1998, Michel Dallaire est professeur associé à l’École de Design industriel de l’Université de Montréal ainsi qu’à la Faculty of Environmental Design de l’Université de Calgary. De 1988 à 1998, il a été professeur invité régulier au Département Supérieur de Design Industriel de l’École cantonale d’art de Lausanne en Suisse. En 1993 et 1998, il a animé des séminaires à l’École Nationale Supérieure de Création Industrielle de Paris, l’ENSCI et en 2004 à l’Universidad Nacional Autónoma de Mexico.

Michel Dallaire a été reçu membre de l’Académie royale des arts du Canada en 1978, Chevalier de l’Ordre national du Québec en 1994 et membre de l’Ordre du Canada en 1999.

 

Le Petit lexique de l’économie sociale au Collège Ahuntsic

12 déc

Petit Lexique de L’EScartons-logo

Lancement du Petit lexique d’économie sociale
au Collège Ahuntsic

Une cérémonie a été organisée à la Bibliothèque Laurent-Michel-Vacher du Collège Ahuntsic, le jeudi 29 novembre, pour souligner le lancement du Petit lexique d’économie sociale, en présence de membres du personnel et de nombreux invités.

Mme Nancy Neamtan, présidente et directrice générale du Chantier de l’économie sociale qui a préfacé le livre, s’est adressée aux invités. Plusieurs entreprises d’économie sociale étaient représentées à l’événement, notamment La maison du développement durable, la Tohu, Imprime-emploi et Espace-temps. La Conférence régionale des élus de Montréal (CRE de Montréal ) a également participé au lancement, reconnaissant ainsi le bien-fondé de la démarche du Collège auprès des entreprises montréalaises d’économie sociale.

Objectif de l’ouvrage

Le lexique a été réalisé pour souligner « 2012 Année internationale des coopératives » et pour sensibiliser la communauté collégiale au langage de l’économie sociale et des coopératives. Plus d’une trentaine d’employés du Collège ont participé à cet ouvrage collectif. Les auteurs se sont donné comme mission de définir dans un langage accessible un terme de leur choix en économie sociale. En 2013, le lexique sera utilisé à titre expérimental dans un contexte pédagogique, dans un cours se rapportant à l’économie sociale, ce secteur si innovant et dynamique de l’économie québécoise.

Genèse du projet

Depuis toujours, le Collège Ahuntsic accueille des étudiants provenant de tous les milieux socio-économiques. Au fil des ans, plusieurs projets ont été mis sur pied par le Collège ou par les membres de sa communauté pour tenter de réduire des inégalités ou pour mieux répondre aux besoins spécifiques de certains étudiants. En 2011, Mme Paule Mauffette a mené une recherche exploratoire portant sur la pertinence pour le Collège Ahuntsic de s’engager dans le secteur de l’économie sociale. Elle en a conclu qu’il y avait une volonté dans l’établissement de se rapprocher des milieux de l’économie sociale afin d’élargir le champ d’action du Collège en tant que maison d’enseignement et de formation de la main d’œuvre. La production du Petit lexique de l’économie sociale s’inscrit dans la foulée de cette décision de travailler en mode de collaboration et de développement avec les entreprises d’économie sociale.

Pour se procurer un ou plusieurs exemplaires du Petit lexique de l’économie sociale, on doit en faire la demande par écrit à l’adresse collectif.innovation@collegeahuntsic.qc.ca. Le lexique est offert gracieusement aux entreprises d’économie sociale qui précisent l’usage qu’ils comptent en faire.

à voir :

http://novae.ca/actualites/2012-12/un-guide-de-l%E2%80%99economie-sociale

 

YVES PERRAULT CHEVALIER DE ST-VÉRAN

09 août

Afin de distinguer et d’honorer et de regrouper tous celles et ceux qui contribuent par leurs actions a perpétuer le souvenir du fait Français aux Amériques en général et celui du marquis de Montcalm en particulier: le Mémorial International Saint-Véran de Montcalm et les Miliciens et Réguliers du Marquis de Montcalm ont décidés de créer la Confrérie des Chevaliers de Saint-Véran. Cette confrérie aura son siège au Château de Saint-Véran, fief historique de la famille de Montcalm dont le marquis portait toujours le nom et auquel il était particulièrement attaché.

Médailles de l’Ordre de St-Véran

Grand spécialiste et engagé depuis plus d’une décennie dans la création, le développement et l’action pour la sauvegarde du patrimoine historique et linguistique français dans les Amériques, au Québec en particulier, Yves Perrault, fonctionnaire à la Ville de Montréal, est parmi les fondateurs et surtout les plus actifs membres de sociétés historiques et du magazine Oriflamme.

Sur le modèle des anciens ordres historiques celui des Chevaliers de Saint-Véran aura trois classes distinctes:
Les Chevaliers
Les Grands Croix
Les Commandeurs
Les chevaliers lors de leur adoubement recevront une médaille de bronze ou figurera un portrait du marquis de Montcalm sur fond du château de Saint-Véran stylisé et au revers un écusson portant une fleur de lys et un tour le ruban étant de couleur bleu roy frappé d’une fleur de lys pour les chevaliers de deux pour les grands croix et de trois pour les commandeurs.
Pour être admis dans la confrérie il faudra être présenté par deux parrains et requérir le consentement du Grand Maître.

Les adoubements pourront avoir lieu aussi bien à l’occasion d’une manifestation regroupant des groupes de reconstituteurs où a celle de manifestations spécifiques organisées par le conseil majeur de la confrérie composé de huit membres élus par leurs pairs. La confrérie des Chevaliers de Saint-Véran étant une structure a caractère exclusivement culturel et historique ses membres s’interdiront en son sein toutes prises de position et toute forme d’activité présentant un caractère politique ou religieux.

 

MONSIEUR LAZHAR : FELLAG, IMMENSE

03 fév

Version originale en français

DURÉE : 1h35

GENRE : Drame

ORIGINE : Québec

DATE DE SORTIE AU QUÉBEC : 28 octobre 2011

SYNOPSIS

Les élèves de sixième année d’une école de Montréal (Québec, Canada) doivent faire face à un drame inattendu lorsque leur enseignante, Martine, se pend dans leur classe. Malgré les réticences préalables de la directrice, Bachir Lazhar (rôle joué par Fellag), un immigrant algérien, est rapidement engagé pour la remplacer. N’étant pas au courant des réformes ministérielles ou même du niveau scolaire de ses nouveaux étudiants, le professeur devra oublier ses propres tragédies pour se concentrer sur l’instruction de ces enfants provenant de différents milieux et visiblement troublés par le départ soudain d’une personne qu’ils aimaient.

Nomination du film Monsieur Lazhar de Philippe Falardeau aux Oscars

Le film Monsieur Lazhar du cinéaste montréalais Philippe Falardeau fait partie des finalistes 2012 pour l’Oscar du meilleur film en langue étrangère. Le lauréat sera dévoilé lors de la 84e cérémonie, le 26 février prochain.

Monsieur Lazhar, racontant l’histoire d’un immigrant algérien devenu suppléant dans une classe de sixième année après le suicide d’une enseignante, a déjà remporté plusieurs prix dont le titre de Meilleur film canadien au 36e Festival international du film de Toronto, le Prix USB du Festival de Locarno, le Prix de la critique de Variety Piazza Grande Award. Philippe Falardeau est actuellement aux États-Unis au Festival du film de Sundace pour y présenter son film. Il se rendra ensuite en Europe pour participer à d’autres festivals.

Soulignons que l’équipe du film Monsieur Lazhar a été accompagnée par le Bureau du cinéma et de la télévision de Montréal pour la coordination et la logistique des scènes tournées dans la métropole.

D’après la pièce Bachir Lazhar

Présentée en 2006 au Théâtre d’Aujourd’hui, la pièce Bachir Lazhar écrite par Évelyne de la Chenelière, avait été soutenue par le programme de médiation culturelle de la Ville de Montréal avec Vision Diversité, Le MAI qui, dès le départ, avaient cru en l’importance du message exprimé et son originalité. Bachir Lazhar, la pièce, avait également été présentée dans les salles du réseau Accès culture grâce au Conseil des arts de Montréal en tournée.

De la réussite de ce projet et de son cheminement vers la prestigieuse cérémonie des Oscars, retenons l’importance de soutenir les arts et la culture par l’entremise de mesures et programmes variés.

L’acteur principal, Mohamed Saïd Fellag, né le 31 mars 1950 à Azeffounwilaya de Tizi-Ouzou (Algérie), est un acteurhumoriste et écrivain algérien Mohamed Saïd Fellag est natif de la région de la Kabylie. Il fait des études de théâtre à l’Institut national d’art dramatique et chorégraphique d’Alger, à Bordj el Kiffan, de 1968 à 1972. Il se produit dans de nombreux théâtres d’Algérie au cours des années 1970.  De 1978 à 1981, il voyage en France et au Canada, vivant de petits emplois et repoussant sans cesse la réalisation de ses projets artistiques. En septembre 1985, il retourne en Algérie, est engagé par le Théâtre national algérien, où il travaille en tant que comédien et metteur en scène.

En 1987 il crée son premier spectacle, Les Aventures de Tchop.  En septembre 1993, il est nommé directeur du théâtre de Béjaïa (Bougie).  Après la révolte d’octobre 1988 puis, au début des années 1990, avec la montée des tensions entre les islamistes et le pouvoir, violences et assassinats se multiplient. En 1994, Fellag part en tournée avec Un bateau pour l’Australie, en Algérie et en Tunisie. À la fin de l’année il s’établit à Tunis où il crée Delirium. Il reçoit un accueil chaleureux du public tunisien.

En 1995, une bombe explosera au cours de son spectacle cachée dans les toilettes des femmes. Terriblement bouleversé, c’est à partir de là que Fellag s’exilera à Paris.  On associe souvent Mohamed Fellag avec son spectacle Djurdjurassique Bled, son premier spectacle en français, créé en décembre 1997, qui lui vaut le prix du Syndicat de la critique 1997-1998, révélation théâtrale de l’année. Dans ce spectacle, il raconte en différentes étapes l’histoire de son pays natal, ses angoisses, ses folies et l’humanité de son peuple.  Mohamed Fellag s’est marié vers l’âge de 40 ans. Il vit aujourd’hui avec la comédienne Marianne Épin.

Une reconnaissance nationale

Fellag connaît une très grande notoriété en Algérie.  Fellag traite sans complexe et avec finesse les thèmes qui agitent l’Algérie et les Algériens, tels que les abus de pouvoir, les rapports entre hommes et femmes, les frustrations des jeunes, etc., tout cela en employant parfois un vocabulaire très cru.  Après les émeutes d’octobre 1988, alors que des militaires et le président algérien sont présents dans la salle, il supplie les femmes de pardonner aux hommes : « Excusez-nous. Maintenant vous pouvez vous habiller comme vous voulez. Vous pouvez même ne pas vous habiller du tout. » Les hommes restent muets et sans réaction. À partir de là, les dénonciations de Fellag se multiplient. Il n’épargne ni la politique ni les islamistes.

Spectacles

1987 : Les Aventures de Tchop, Alger

1989 : Cocktail Khorotov, spectacle en dialecte algérien, Petit Théâtre, Alger.

1990 : SOS Labès.

1991 : Un bateau pour l’Australie (Babor Australia), duquel a été tiré un DVD (2002).

1994 : Delirium, Tunis.

1997 : Djurdjurassique Bled, Théâtre international de langue française, Paris.

2001 : Rue des petites daurades, Théâtre international de langue française, Paris.

2002 : Le Syndrome de la page 12, Théâtre du Rond-Point, Paris.

2003 : Che bella la vita !, Théâtre international de langue française, Paris.

2003 : Opéra d’Casbah, « mise en images » Jérôme Savary, avec Fellag, Biyouna, Abdou Elaïdi, un orchestre arabo-andalou et des danseuses ; Espace Saint-Jean (sous chapiteau), Marseille.

2004 : Le Dernier Chameau, mise en scène de Patrick Sommier, MC93 Bobigny, duquel a été tiré un DVD (2005), Théâtre des Bouffes du Nord, Paris.

2008 : Tous les Algériens sont des mécaniciens, mise en scène de Marianne Épin et l’auteur, Les Nuits de Fourvière, Lyon.

2011 : Petits chocs des civilisations, mise en scène de Marianne Épin.

Metteur en scène

2008 : Comment réussir un bon petit couscous, de Fellag, CNCDC (Centre national de création et de diffusion culturelles) de Châteauvallon, Ollioules (Var), interprété par Bruno Ricci.

2008 : Tous les Algériens sont des mécaniciens, mise en scène avec Marianne Épin.

Publications

Djurdjurassique Bled, textes de scène, éd. JC Lattès, Paris, 1999, 197 pages, ISBN/EAN 9782709621069

Rue des petites daurades, roman, éd. JC Lattès, Paris, 2001.

C’est à Alger, couverture de Slimane Ould Mohand, éd. JC Lattès, Paris, 2002.

Comment réussir un bon petit couscous suivi de Manuel bref et circoncis des relations franco-algériennes, éd. JC Lattès, Paris, 2003.

Le Dernier Chameau et autres histoires, nouvelles, éd. JC Lattès, Paris, 2004.

L’Allumeur de rêves berbères, illustrations de Slimane Ould Mohand, éd. JC Lattès, Paris, 2007.

Filmographie

Cinéma

1983 : Liberté, la nuit, de Philippe Garrel : Mohand

1983 : Hassan Niya

1990 : De Hollywood à Tamanrasset : Green Eagle

1998 : Le Gone du Chaâba, de Christophe Ruggia

2001 : Inch’Allah dimanche, de Yamina Benguigui

2002 : Fleurs de sang, de Myriam Mézières

2003 : Momo mambo de Laïla Marrakchi

2005 : Voisins, voisines, de Malik Chibane : Maklouf

2006 : Michou d’Auber, de Thomas Gilou

2007 : L’Ennemi intime, de Florent Emilio Siri

2009 : Les Barons, de Nabil Ben Yadir

2010 : Il reste du jambon ?, d’Anne De Petrini

2010 : Dernier étage, gauche, gauche, d’Angelo Cianci

2010 : Le Chat du rabbin, de Joann Sfar et Antoine Delesvaux : le Cheikh Sfar (voix)

2011 : Monsieur Lazhar, de Philippe Falardeau

2012 : Zarafa de Rémi Bezançon et Jean-Christophe Lie (voix)

Télévision

2005 : Rue des figuiers, téléfilm de Yasmina Yahiaoui

2008 : La Veuve tatouée, téléfilm de Virginie Sauveur

2010 : Ni reprise, ni échangée, de Josée Dayan : Gérard

Prix et récompenses

1997/1998 : prix du Syndicat de la critique : révélation théâtrale de l’année, pour Djurdjurassique Bled, Théâtre international de langue française, Paris.

2003 : prix Raymond-Devos de la langue française.

2003 : prix de la Francophonie, décerné par la SACD (Société des auteurs et compositeurs dramatiques).

2003 : prix de l’Humour noir, pour Un bateau pour l’Australie.

Références

Olivier Mongin, dans De quoi rions-nous ? Notre société et ses comiques, Plon, 2006, consacre un chapitre à Fellag et à son art : Fellag, l’entrechoquement des langues et des identités

Article consacré à Fellag sur evene.fr

Voir aussi[modifier]

Bibliographie

« Les 100 personnalités de la diaspora africaine : Fellag », in Jeune Afrique, no 2536-2537, du 16 au 29 août 2009, p. 62

 

HECTOR PÉREZ GONZALÈZ : ARTISTE POUR LA JUSTICE SOCIALE

24 jan

Le nouveau chargé de projets ou coordonnateur de Visions sur l’art Québec, est en soi le parfait candidat à la trilogie équité, accessibilité et diversité, qui résonne comme un slogan universel pour une société qui aspire à un mieux-être collectif.  La trame de sa vie, celle qui permet, au fond, d’en comprendre le fil conducteur, c’est la constance et l’infatigable application à vivre en exerçant son métier, artiste du visuel, comme un sacerdoce afin de réduire le nombre d’exclus.  Artiste pour agir afin de favoriser l’intégration ou l’inclusion des personnes handicapées dans la société, dans son ensemble, en stimulant leur développement personnel ce qui contribue à accroître l’estime de soi.

Toute la démarche d’Hector Pérez Gonzàlez vise, à partir du mentorat ou du partage d’expériences, de la mise en commun de techniques, par l’adhésion à une vision esthétique, effort qui permet de bâtir un tremplin pour mieux se situer en s’exprimant.  Cette action sur soi contribue à faire prendre conscience à chacun du pouvoir considérable de l’art pour briser les barrières et élever les esprits.  L’art pour vaincre les préjugés et, via la force de la solidarité interdisciplinaire (apport des psychologues, des éducateurs, des intervenants sociaux et des thérapeutes), arriver à une intégration, à une immersion dans toutes les sphères de la société des personnes ayant des limitations.

Né à Cuba, il y a fait tout son cursus scolaire et universitaire : l’Académie des Beaux-arts de la Havane, l’École de design industriel, a pris des formations auxquelles il a ajouté le marketing et ensuite, en arrivant au Québec, l’apprentissage de la langue française.  Hector Pérez Gonzàlez se bat inlassablement comme artiste professionnel, comme enseignant, comme humain afin que l’art soit un outil de justice sociale, de partage économique et surtout le moyen d’expression d’une société qui a de la peine à reconnaître l’existence et à accepter la participation à la création de la richesse collective de celles et de ceux que les aléas de la vie forcent à affronter des barrières qui sont souvent plus difficiles à vaincre que les limitation physiques, intellectuelles ou psychologiques qui les handicapent.

Vivre en harmonie grâce aux vertus de l’art, mais surtout comme artiste, designer et intervenant social, mettre ses talents au service de l’équité dans la société afin que chaque personne puisse s’épanouir et se sentir utile et partie prenante; telle est la quête de cet artiste hors normes, Hector Pérez Gonzàlez.

Artiste membre d’un collectif engagé pour plus de justice, pour une affirmation des droits de la personne au sein de sa société d’origine, Hector Pérez Gonzàlez, au cours des vingt dernières années, a exercé un nombre important  de fonctions et assumé des responsabilités au cœur du monde des arts et de la culture : artiste, enseignant, spécialiste des relations publiques et des communications, technicien en décoration, concepteur et gestionnaire.  Bonnes présence et participation avec VSAQ et confiance pour une participation au développement de notre société québécoise, canadienne, pour le bénéfice collectif le plus large..

Yves Alavo

Membre du C.A. de VSAQ

Un lien :  http://www.vallartainstitute.com/Hector-Perez.php

 

UN QUART DE SIÈCLE SOUS LE SOUFFLE DE L’AFRIQUE

13 juil

Une légende vivanteLes 25 ans du festival international Nuits d’Afrique.
Du mardi 12 au dimanche 24 juillet 2011.

25e édition du Festival international Nuits d’Afrique
Première partie du 12 au 18 juillet 2011.
Sous le thème « Un quart de siècle de musique du monde», la 25e édition du Festival international Nuits d’Afrique a pris son élan ce mardi, 12 juillet 2011, pour treize jours de célébrations ! Cette 25e édition sera un clin d’œil aux grands moments de ces 25 dernières années, mais aussi une mise en vie de cette coutume d’innovation qui fait la force de l’événement. Tradition, audace, renouveau et affirmation culturelle sont les mots clés de cette édition exceptionnelle, où seront présentés 57 concerts d’artistes issus de 32 pays !

1. Van Merwijks Music Machine & Manou Gallo
Mardi, 12 Juillet, 2011 – 20:00, Cabaret du Mile End.

Si Lucas Van Merwijks n’avait pas été l’un des meilleurs batteurs de sa génération, gageons qu’il aurait été chercheur, tant sa prolifique carrière musicale est marquée par l’expérience. Sur scène avec le percussionniste Aly N’Diaye Rose, fils du célèbre Doudou N’Diaye Rose, lui et l’incomparable bassiste, guitariste, percussionniste et auteure ivoirienne Manou Gallo, ex- Zap Mama, explorent leurs racines et partent à la découverte de nouveaux territoires sonores. Une expérience de continuelle invention qui est à l’avant-garde de la musique métissée en son tissu profond, celui de la culture transmise et des références artistiques de ceux et celles qui la crée.

Lucas Van Merwijks
Pays-Bas

Né aux Pays-Bas en 1961, Lucas Van Merwijk est attiré par la batterie dès sa plus tendre enfance. Il commence son apprentissage alors qu’il n’a que 9 ans. Parvenu à l’âge adulte, il étudie durant deux ans au Sweelinck Conservatorium d’Amsterdam et, en parallèle, se lance dans une carrière professionnelle sur les scènes salsa et jazz néerlandaises. De 1984 à 1987, il joue dans l’orchestre de Henri Guedon, à Paris et, à partir de 1985, passe sept ans dans le Future Shock de Maarten van Norden.

Dans les années 1980, il avait perfectionné sa technique des percussions afro-cubaines en suivant un cours donné par Oscarito Valdes, à Cuba. Il renouvellera cette expérience en 1992. Depuis le début de sa carrière, il a joué avec de nombreux groupes et artistes européens, notamment le fameux Nueva Manteca depuis 1987. Trois ans plus tard, il se lance dans l’aventure du trio Sticks & Strings, devenu depuis le Trio Amuedo, van Merwijk, Vierdag, et enregistre en 1992 l’album Uru puis un autre Jamfever en 1997. Avec ces formations, il enchaîne les tournées dans le monde entier. En 1997, il crée, en outre, le label Tam Tam Records.

Il est actuellement à la tête de quatre groupes différents: le Cubop City Big Band (depuis 1995), Drumix! avec Aly N’Diaye Rose (depuis 2000), l’orchestre de percussions du monde Drums United (depuis 2000) et Music Machine. Ce dernier est une formation à géométrie variable qui lui permet de multiplier les collaborations. C’est dans ce cadre qu’il joue aujourd’hui avec Manou Gallo. Avec le Cubop City Big Band, il a sorti les albums Machito Project (1995), Moré and More (1997), Arsenio (2002) et Que sensación (2008), avec Drumix! l’album éponyme en 2000 et, avec Drums United, le DVD World of Rythm (2006).

Par ailleurs, il est professeur de batterie et de percussions au département Musiques du monde du conservatoire CODARTS de Rotterdam et au département de jazz au conservatoire d’Amsterdam depuis 1987. L’ensemble de ces expériences lui permet d’avoir un style bien à lui, mélange d’influences cubaines, brésiliennes, et nord-américaines qui fait sa notoriété dans le monde musical ; tout cela est lié par le génie musical africain, raison de sa présence au vingt-cinquième du Festival international Nuits d’Afrique, à Montréal.

Manou Gallo
Côte d’Ivoire

Née en 1972, Manou Gallo est originaire de Divo, en Côte d’Ivoire, mais de racines sénégalaises, comme son nom le dit si bien. Très tôt, elle s’intéresse au monde du spectacle. À 12 ans, elle monte sur scène pour la première fois pour jouer une pièce de théâtre musicale avec d’autres enfants au sein du groupe Woya. Durant des années, on parlera de ce spectacle dans toute l‘Afrique de l‘Ouest. Jusqu’en 1989, la troupe fait en effet des tournées régulières au Burkina Faso, au Bénin, au Togo et au Mali et enregistre quatre albums.

En 1990, Woya est dissout et Manou part alors à Abidjan où elle apprend à jouer de la basse. Trois ans plus tard, elle parfait ses connaissances dans le village artistique de Ki-Yi-Mbock où elle s‘initie à la danse, au théâtre et où elle participe à l‘enregistrement d‘un disque produit par Ray Lema. En 1997, elle est appelée par Michel De Bock, tour manager du groupe Zap Mama, pour intégrer le groupe en tant que bassiste. Elle débarque en Belgique et intègre l’aventure Zap Mama qu’elle ne quittera plus durant six ans. Elle prend part aussi à l’aventure des Tambours de Brazza. Elle découvre l’Europe, le mélange des cultures, l’ouverture des Bruxellois… Elle se met également plus intensément aux percussions, un instrument traditionnellement réservé aux hommes.

Durant cette période, elle écrit en français, en anglais et en dida, sa langue maternelle, preuve de ce mélange quotidien dans lequel elle vit. Elle les met en musique, sur des rythmes qui viennent de son pays natal, mêlés à ceux qu’elle a connus sur son chemin depuis le début de sa carrière. En 2001, elle crée son propre groupe, avec des amis musiciens, sous le nom du Djiboi. Leur premier disque, Dida, est sorti en 2005, suivi de Manou Gallo en 2007, puis Lowlin en 2010. Elle est nommée Révélation Coup de cœur Francophone en 2009.

La profondeur de la voix de Manou Gallo sur des musiques chaudes se fait entendre ainsi au-delà des frontières, un rêve qu’elle n’aurait sans doute pas osé, une folie devenue réalité.

2. Manu Dibango Mercredi 13 juillet 2011(20h30)
au Métropolis de Montréal, en première, Marianne Aya Omac.

Manu Dibango, l’une des vedettes africaines de la musique, l’un des grands saxophonistes actuels, est un artiste incontournable. C’est une bête de scène à la bonne humeur communicative. Le concept même de musique du monde lui doit beaucoup. A 78 ans, Manu Dibango, le plus grand saxophoniste africain et, surtout, l’un des pères fondateurs d’une musique africaine moderne, ouverte sur le jazz, le rythme & blues, la salsa, le gospel, le funk, et le reggae, conserve de manière exemplaire son dynamisme.

Né en 1933 à Douala, au Cameroun, il chante dans la chorale que dirige sa mère mais cela est, pour lui, du pur amusement. Il débarque en France alors qu’il a 15 ans pour poursuivre ses études. À ce moment-là, il ne connaît encore rien (ou presque) au jazz, rien non plus au saxophone. Le virus ne l’a pas encore atteint. Deux années passent avant qu’il ne découvre ce qui fera sa vie : le saxophone. Rapidement, il se produit dans des clubs… au grand dam de son père.

La suite de ses pérégrinations le mène en Belgique où il se fond dans la communauté congolaise. Au début des années 1960, le chanteur Kabasele, venu tout droit de Kinshasa, l’embauche dans son groupe, l‘African Jazz. Il enregistre de nombreux disques avec eux et entreprend des tournées à répétition. Quelques années plus tard, il fonde son propre orchestre et développe un style bien à lui, des sons uniques.

En 1972, sort un 45-tours dont la face B va devenir l’un des plus grands tube africain de tous les temps : Soul Makossa, vendu à plusieurs millions d’exemplaires dans le monde, véritable hit aux États-Unis et réutilisé depuis par Michael Jackson et Rihanna, entre autres. La « word music » est née.

Dans les années 1970 et 1980, Manu Dibango enregistre de nombreux albums, mélanges de jazz et de musiques africaines, parmi lesquels ‘Super Kumba’ (1974), ‘Africadelic’ (1975), ‘Mélodies africaines’ (1983), puis des opus afro-électro-funk dont ‘Abele Dance’ (1984). Enchaînant tournées et enregistrements, Manu Dibango n’oublie pas d’où il vient et s’engage régulièrement pour défendre les causes chères aux Africaines et aux Africains. Celui qui ne cesse de jeter des ponts entre les continents et les genres musicaux a produit depuis le début de sa carrière plus de trente disques, dont ‘Manu Dibango joue Sidney Bechet’ en mars 2007.

Manu Dibango, personnage clé de la fin du XXe siècle est au moins autant journaliste, anthropologue ou philosophe, que musicien. Sans lui, la « world » aurait sans doute fini par exister : mais au moins cinquante ans plus tard !

Depuis plus de trente albums studios ont suivi, parmi lesquels Gone Clear (1979), Ambassador (1981), Wakafrika (1994), Lamastabastani (1995) ou B Sides (2002). Il a également composé des musiques de films comme Kirikou ou les bêtes sauvages ou Comment faire l’amour avec un nègre sans se fatiguer.

Manu Dibango, c’est la mémoire de la musique africaine et de la sono mondiale. Il a joué aux quatre coins du monde avec les plus grands. Il est lui-même devenu une des figures les plus prestigieuses du jazz et du continent africain.

Chaque dimanche, avec la complicité de « Robert Tito » (Robert Brazza), Manu nous entraîne dans son monde, nous raconte son histoire qui s’écrit aujourd’hui encore à travers la planète, là où il promène son saxophone toujours et encore. Manu sur AFRICA N°1, ce sont aussi ses amis qui viennent lui rendre visite en studio comme à un vieux frère.

Spécialiste des mélanges de genres, Manu Dibango prend encore aujourd’hui un malin plaisir à brouiller les pistes, à croiser les influences, à s’imprégner de musiques variées, pour mieux surprendre et embarquer le public dans un voyage inoubliable.

Marianne Aya Omac, en lever de rideau de Manu
France

Marianne Aya Omac, c’est une auteure, une compositrice et une guitariste mais aussi une voix, puissante, chaleureuse, diverse qui attire l’oreille. Et mieux vaut avoir ce don lorsque l’on joue pendant six ans, 300 jours par an dans les rues de Montpellier. C’est comme ça que Marianne Aya Omac a commencé sa carrière d’artiste, se forgeant un public à l’énergie.

Parallèlement, Marianne rejoint la Gospelize-it Mass Choir, chorale gospel amatrice. Elle y apprend les techniques du gospel, l’implication du corps et de l’esprit dans la musique. Durant ces années, elle voyage souvent en Amérique latine et vit, en outre, dans le quartier gitan de Montpellier. Un cocktail qui lui permet d’avancer également dans le domaine des musiques latines et gitanes.

Grâce à ce parcours éclectique, elle se lance dans la création de son groupe en 1997, Ginkobiloba. Avec cette formation, elle enregistre deux albums, Pachamama (1999) et Mamacita (2002), et donne de nombreux concerts. Le succès est au rendez-vous, le public bien présent et pourtant, Marianne ne veut pas s’arrêter là. Elle choisit en 2005 de laisser le groupe et de se lancer dans une nouvelle aventure. Une double aventure.

En octobre 2004 et en janvier 2005, elle crée respectivement le Chœur de la Buèges et le Chœur de la Garrigue, deux chœurs de gospel, composé chacun de plusieurs dizaines de choristes. Parfois les deux chœurs se retrouvent pour donner des concerts en commun sous le nom de Grand Chœur de la Garrigue, mais chacun avance sur son chemin. Ils font ainsi la première partie de personnalités des « musiques du monde », Salif Keita, Idir, Souad Massi, Compay Segundo… Trois ans après la fin de “Ginkobiloba”, elle sort son premier album Be my witness en 2008. À Montréal, elle s’est fait connaître et aime y jouer, la communauté des es fans se développe avec enthousiasme.

Aujourd’hui, Marianne Aya Omac se produit sous son propre nom, en solo. Qu’elle chante en anglais, en français ou en espagnol, son énergie reste la même, sans artifices et sans détours, avec une voix toujours aussi présente et des textes plein d‘humanisme. Elle a lancé son dernier album le 5 juillet 2001 sous l’étiquette des Disques Nuits d’Afrique.

3. ZAL SISSOKHO, MANSA SISSOKO & MAMADOU KOÏTA, RENCONTRE AU SOMMET
Jeudi 14 juillet, 21 h 00 au Club Balattou

Glissant leurs doigts agiles sur les 21 cordes de leurs koras, Zal Idrissa Sissokho et Mansa Sissoko ont embrassé la destinée que leur confère leur statut de griot. Accompagnés au balafon de Mamadou Koïta, lui aussi griot, ils portent fièrement les trésors de la civilisation mandingue à travers le monde. L’Empire mandingue, c’est le titre que Zal Idrissa Sissokho a choisi pour cette soirée à ne pas manquer. Au cœur des traditions et au faite de la modernité, les héritiers de la culture mandingue que sont ces trois virtuoses professionnels de haut niveau, offrent aux Montréalaises et aux Montréalais, une soirée riche en mélodies, en créativité et surtout, très particulière. À trois, ils mettent en commun leur trésor harmonique et leur savoir historique, leur génie culturel, leurs valeurs sociales et leurs dimensions humaines d’envergure, combinés en une commune complicité faite de respect artistique entre eux, de science solide apprise dans l’immense conservatoire ancestral. Une invitation à découvrir l’ouest africain, son héritage commun, sa culture millénaire, mais aussi sa vitalité et sa joie de vivre. Une seule et suprême rencontre à laquelle vous devez participer, un privilège que nous vous souhaitons de connaître.

Mamadou koïta, Musicien virtuose du Burkina Faso

Balafoniste, percussionniste (djembé, doundoun, bara, tama), joueur de n’goni (instrument traditionnel africain s’apparentant à la guitare ou à la harpe), chanteur et auteur-compositeur, Mamadou Koïta est un musicien virtuose originaire du Burkina Faso. Il est né et a grandi dans l’univers musical des griots de l’ethnie Bwaba. Les griots sont une caste de poètes et de musiciens dépositaires de la tradition orale en Afrique de l’Ouest. Comme dans la famille de Toumani Diabaté, la famille Koïta pratique l’une des plus grandes traditions musicales du monde : la musique mandingue.

Parcours impressionnant.

Originaire du village de Djibasso au Burkina Faso, Mamadou Koïta est entraîné très tôt par les flots de la musique, puisqu’il vient d’une famille de griots. À l’âge de cinq ans déjà, les groupes d’animation musicale attiraient plus Mamadou que les terrains de football et autres jeux d’enfance. C’est cinq ans plus tard, en 1992, que la musique s’impose véritablement à Mamadou. En effet, le jeune artiste sait désormais accompagner ses frères à presque tous les instruments traditionnels : le djembé, le bara, le doundoun, le n’goni, le tama et le balafon qu’il a appris de ses parents et amis. Conscient que son destin ne se trouve nulle part ailleurs que dans la musique, Mamadou décide véritablement de tout laisser tomber pour se consacrer à la musique. En 2002, Il déménage alors à Ouagadougou, la capitale du Burkina Faso. Il intègre Sinia Sigui, la troupe familiale, de même que la troupe Zimawe du Kadiogo et le groupe Les Frères Diarra, autant de groupes avec lesquels il participe à une série d’animations et de concerts en Afrique, mais aussi en France et en Suisse. Après une participation remarquée en 2002 aux éliminatoires de la Semaine Nationale de la Culture où il remporte avec son groupe Sinia Sigui la 2e place dans la catégorie Musique traditionnelle Instrumentale, Mamadou Koïta est déjà considéré comme le meilleur percussionniste de sa génération.

En 2004, Mamadou fait ses premiers pas sur une plateforme internationale, puisqu’il est choisi pour participer à une animation avec le célèbre musicien burkinabé Adama Dramé lors de l’ouverture du Sommet de la Francophonie au Salon international de l’artisanat de Ouagadougou. En 2005, Mamadou et son groupe Sinia Sigui montent un projet d’échange culturel entre le Burkina et la France qui mènera à la création du Festival des Musiques d’ici et d’ailleurs. Mamadou et Sinia Sigui participent également à la deuxième phase du projet réalisée en 2006 à Cergy. Dès 2005 et au cours de 2006, en plus des spectacles auxquels il participe avec ses différents groupes, Mamadou participe au Festival de contes et musique du Niger et part également quelques temps au Ghana pour donner des stages de djembé. Il prend part également en 2006 au lancement de l’album Lafila Boumfan d’Ibrahim Keita. Une autre collaboration musicale voit le jour en 2008 avec des membres du groupe français « La Roulette Rustre ». De cette collaboration naîtront l’album « Tiiga fato » et une tournée de la troupe au Burkina Faso en 2010.

Mansa Sissoko
Mali, Québec

Mansa Sissoko est originaire de Baleya, au Mali. Ses parents, tous deux griots, chantent et content les histoires familiales lors des grands événements. Il se met à la kora alors qu’il a 15 ans. Il n’y est pas initié par son père, qui ne joue pas de cet instrument, mais par ses cousins. Ceux-ci ne sont pas des débutants : ils font partie des familles de Toumani Diabaté et Ballaké Sissoko, des maîtres de la kora en Afrique de l’ouest.

A partir des années 90, il mène une carrière de koriste en Afrique, en France et au Canada, il participe à divers albums, notamment pour Habib Koité et Tiken Jah Fakoly, et parcourt le Mali pour chanter et jouer. En 2004, Mansa enregistre à Bamako l’album N’tomi, accompagné du groupe Kabarata. Il y interprète ses compositions ainsi que des pièces inspirées du répertoire traditionnel mandingue. C’est ainsi qu’il devient le personnage principal du documentaire de Bay Weyman, Road to Baleya, sorti en 2008. Ce film montre Mansa Sissoko de retour dans son village natal en compagnie de plusieurs musiciens canadiens. Une illustration des ponts entre les peuples que permet la musique, une métaphore de la rencontre entre Mansa Sissoko, le Malien, et Jayme Stone, le Canadien joueur de banjo.

Ce dernier, impressionné par la connaissance musicale de Mansa, décide de s’intéresser davantage aux musiques d’Afrique de l’ouest et de le rejoindre au Mali, afin d’apprendre les rythmes et les mélodies traditionnelles guidé par une « encyclopédie vivante », comme il le surnomme. Le voyage de plusieurs mois a lieu en 2007. Jayme reste au Mali plusieurs mois en compagnie de Mansa et les deux musiciens concoctent ainsi un bijou de musique africano-occidentale, Africa to Appalachia, Juno (prix musical canadien) dans la catégorie « Musique du monde » en 2009 et meilleur groupe de musique du monde aux Canadian Folk Music Awards la même année.

Zal Idrissa Sissokho, ambassadeur de la culture
Sénégal, Québec

L’un de ses ancêtres fut le premier joueur de kora de l’histoire et son frère, Younoussa, fut dans les années 1980, le premier griot à venir s’installer au Québec. Au Sénégal, la famille des Sissokho est l’une des plus importantes représentantes des griots, ceux qui transmettent oralement l’histoire du peuple mandingue depuis des siècles. Bref, Zal Idrissa Sissokho était prédestiné à chanter et à jouer de la kora.

Né au Sénégal, il joue de la musique depuis ses 11 ans. Très tôt également, il chante et compose en mandingue et en wolof des chansons inspirées du répertoire ouest-africain. Il perfectionne sa pratique de la kora sous la férule d’un des maîtres de l’instrument, Toumani Kouyaté, puis accompagne l’auteur compositeur sénégalais El Hadj N’Diaye.

Il embarque pour le Québec à la fin des années 1990 et y joue notamment avec les frères Diouf, Richard Séguin, le Montréal Jubilation Choir, Corneille, Monica Freire, Lilison, IKS, Muna Mingolé, Alpha Yaya Diallo… Il fait sonner son instrument également pour des musiques de films dont Un dimanche à Kigali de Robert Favreau. À Las Vegas, il participe au spectacle « O » du Cirque du Soleil.

En 2004, il fonde son propre groupe, nommé Buntalo. Il s’entoure pour cela de musiciens montréalais originaires d’Afrique de l’Ouest : Aboulaye Koné à la guitare, David Mobio au clavier, Manu Pelé à la basse et Thomas Niamke Ehui à la batterie. Leur répertoire est composé de créations originales de Zal Idrissa Sissokho et de Manu Pelé ainsi que de pièces classiques mandingues, qu’il chante en malinké et en wolof. Une large palette permettant de faire cohabiter tradition et modernité. En 2007, plusieurs de ses chansons apparaissent sur la compilation du festival international Nuits d’Afrique. Un avant-goût prometteur d’un album complet qui ne tardera pas…

Ambassadeur, médiateur, tel est aujourd’hui, au sein de notre vie sociale et culturelle canadienne, québécoise et montréalaise, Zal Idrissa Sissokho. Pour lui, « l’artiste peut faire passer des messages parce qu’il a une tribune lors des spectacles. Parce qu’il parle de manière sensible, il a la possibilité de toucher les gens et de les faire réfléchir sur ce qui se passe autour d’eux. Contrairement au politicien qui a un intérêt partisan, l’artiste est libre d’offrir son opinion aux spectateurs, par ses paroles et sa musique. »

En février 2008, Zal bénéficie d’une belle reconnaissance : il reçoit le prix OQAJ-Rideau des Amériques décerné pour l’excellence de sa performance, la générosité de sa présence sur scène et pour la beauté de ses métissages musicaux. Il sort son premier album, tant attendu, dans la foulée. Il s’intitule Silaba (« la grande route »). Cet hommage aux ancêtres présente son inestimable héritage musical et retrace la « grande route » que Zal a parcourue depuis ses débuts au Sénégal. Souvent au Brésil depuis trois ans surtout, Zal s’est imposé à force de travail, mais surtout grâce à une éthique remarquable et des valeurs, dont l’honnêteté et la détermination, qui font sa notoriété artistique et expliquent le respect qu’il sème sur son parcours, tant dans le milieu des arts que dans la société en général.

4. Christine Atallah, reine et magicienne
Dimanche 17 juillet à 21 h 00 au Club Balattou

Christine Atallah porte les mélodies, les rythmes et joue avec des instruments aux accents mélangés qui produisent une sonorité suave, élégante et d’une présence amicale. Créations qui nous portent, qui initient des mouvements et des nuances inédites. Elle crée une musique en myriades d’Est en Ouest, met en valeur des chants des profondeurs et imprègne de lueurs légères et nouvelles un monde de vibrations pour le siècle.

Voix du présent et du futur, Christine Atallah ouvre des horizons de fraîcheur, crée entre la musique classique et les musiques aux rythmes mélodiques du monde, un pont de force et de douceur. Christine Atallah, grâce à sa voix des mille et un charmes aux accents de sarabandes de reine et majestueuse magicienne, avec les tempos latins et les éclats arabo-jazzés, envoûtants cantiques pour le bonheur et la paix de l’humanité, est la star d’envergure que toutes et tous souhaitent sur la planète des arts et de la culture universels.

Nommée la diva rebelle, cette auteure compositrice replongera dans ses racines Libanaises pour vous offrir un concert extravagant et exotique. Des musiciens orientaux se joindront aux instrumentalistes occidentaux dans des pièces en français, arabe, espagnol et anglais. Vous vous envolerez sur un tapis volant tamisé d’instruments qui existent depuis l’aube de la civilisation.

Née dans une famille conservatrice, Christine Atallah a dû lutter pour pratiquer sa passion, le chant. Bien décidée pourtant à continuer sur cette voie, elle parvient à devenir soliste dans plusieurs chorales et est alors remarquée par Margaret Khalil, chanteuse du Metropolitan Opera de New York. Celle-ci lui propose de lui donner des cours. C’est le début d’une grande histoire…

Elle décroche une bourse pour continuer son apprentissage à Milan et a alors l’opportunité de chanter dans Aida de Verdi, un spectacle donné dans les grands stades du monde. Suivent plusieurs engagements au cinéma et sur la scène internationale. Elle interprète notamment la bande originale de Jésus de Montréal, de Denys Arcand.

Dans ces années, une alliance musicale se forge avec le compositeur canadien John Winiarz. Depuis leur rencontre, Christine a inspiré et interprété plus de douze de ses œuvres, dont plusieurs premières mondiales. Par ailleurs, elle étudie et danse avec Gabrielle Taylor du Mahattan Motion Dance à Broadway. Une expérience qui fait de Christine une interprète accomplie.

En 2003, elle fonde le groupe Les Bassalindos avec François Lalonde (batterie), Mathieu Tessier et Danny McLaughlin (guitares). Leur musique est un mélange cosmopolite où l’on retrouve l’Occident et l’Orient, combinés avec des éléments latinos, jazz et arabes, une musique où se mêlent le oud, les violons, les percussions arabes, la batterie, les cuivres, les guitares… La majeure partie de leur répertoire est signée Christine Atallah et Danny McLaughlin. Leur premier album, Escapades, sort en 2006 avec la participation de divers artistes comme Jésus EL Niño Perez, Roberto Torres, Oscar D’Leon, Ricardo Lemvo, Hussein El-Emam…

Seule ou accompagnée, Christine Atallah utilise le velours de sa voix, en anglais, en français, en arabe, en espagnol et en italien, pour emmener son public dans un voyage doux et envoutant. Personnalité forte et artiste de talent, elle tisse, au fil des concerts et des créations, un univers si créatif et ouvre des horizons capables, un jour, d’offrir au monde un florilège musical d’une ampleur universel.

5. Zoutenn de Mondélé, artiste de la perfection
Lundi, 18 Juillet, 2011 – 21:00 Club Balattou

Des accords de guitares délicats, une voie douce, entre agréable torpeur et mélancolie satinée… On pense voyage, on pense enfance, on pense paix et humanité… Les mélodies intimistes de ce jeune auteur, compositeur et interprète, finaliste l’an dernier du Prix de la diversité du Conseil des arts de Montréal, rappellent un peu celles de Lokua Kanza.

Zoutenn de Mondélé est né à Bangui en République centrafricaine. Très jeune, il se découvre un goût pour la musique. Au début, il apprend seul, découvre divers instruments en autodidacte complet. Adolescent, il passe des concours, participe à des événements culturels puis se forme finalement à la musique en suivant des cours, afin de se construire une base musicale et instrumentale plus solide. En 2003, il part étudier l’informatique à Dakar. Et il en profite pour s’inscrire à l’École nationale des arts. Il enregistre une première maquette de ses chansons en 2005. Sa musique transpire de ses racines artistiques et culturelles, qu’il sait manier et agencer avec élégance.

En 2008, il continue son voyage vers l’ouest… et s’installe à Montréal. Là, il s’initie à la guitare jazz et se plonge entièrement dans un milieu musical vraiment métissé où se mélangent allégrement les origines et les styles. C’est ainsi, porté par ce bouillonnement d’influences, qu’il se lance sur la scène montréalaise. En 2010, il accède à la finale du Prix de la Diversité du Conseil des arts de Montréal, choisi parmi 40 candidats.

Cette même année, sort son album intitulé Ngba na mabé. Cet opus révèle la maturité atteinte par Zoutenn de Mondélé qui se nourrit de toutes ses expériences musicales, qui est avide de découvertes et gourmand de mixité culturelle. Il est habité par le désir de la perfection sans cesse renouvelé et ne cesse de se perfectionner. L’année 2010 s’est achevée en outre par la formation d’un groupe avec le percussionniste Sadio Sissokho et le multi-instrumentiste Derek Harrison et la création du spectacle De Chœur à cœur. Soyez attentifs, il vous réserve de nombreuses surprises.

Yves ALAVO

Pour la programmation de l’édition du 25e anniversaire du FINA :

http://www.festivalnuitsdafrique.com/

 

L’Arizona, « capitale » de « la colère,la haine, l’intolérance »

09 jan

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LEMONDE.FR | 09.01.11 | Mis à jour le 09.01.11 | 12h05

La police ignore encore les raisons derrière la fusillade visant l’élue démocrate Gabrielle Giffords, qui a coûté la vie à six personnes samedi à Tucson. Il se pourrait même qu’elle ne soit pas de nature politique. Mais elle intervient dans un climat lourd depuis plusieurs mois dans l’Etat d’Arizona, où une loi controversée sur l’immigration et la réforme de l’assurance-maladie ont exacerbé les tensions.

Lors des élections de mi-mandat, en novembre, Mme Giffords avait gardé son siège après une bataille particulièrement âpre contre un candidat républicain issu du Tea Party. Alfredo Gutierrez, un ancien élu du Parlement d’Arizona, estime que le combat électoral « n’avait jamais été aussi enflammé » dans son Etat.

L’Arizona est un des Etats américains où les lois sur le contrôle des armes à feu sont parmi les plus laxistes. Conséquence, selon Alfredo Gutierrez, « le nombre d’armes et le nombre de gens furieux qui y ont accès est ahurissant ». Le Washington Post signale ainsi qu’un homme avait déjà apporté une arme lors d’une réunion publique similaire de Mme Giffords en août dernier.

« HAUT-LIEU DES PRÉJUGÉS ET DE L’INTOLÉRANCE »

Clarence Dupnik, shérif du comté de Pima, est en charge de l’enquête après la fusillade. Devant la presse, samedi, il a fustigé le climat violent et la rhétorique incendiaire qui existent actuellement en Arizona, dénonçant « le vitriol qui sort de certaines bouches pour appeler à démolir le gouvernement ». « Malheureusement, je pense que l’Arizona est devenu une sorte de capitale » de « la colère, la haine, l’intolérance », a-t-il lancé. « Nous sommes devenus le haut-lieu des préjugés et de l’intolérance ».

Gabrielle Giffords avait déjà été pointée du doigt pour son soutien à la réforme de l’assurance-maladie. Elle faisait partie d’élus qui avaient recensé 42 actes de vandalisme ou de menaces dans les trois premiers mois de 2010, au moment où la réforme était débattue. La quasi-totalité de ces actes étaient liés, de près ou de loin, au dossier de l’assurance-maladie. En mars, des vitres de sa maison à Tucson avaient été brisées par des inconnus à peine quelques heures après l’adoption de la réforme.

Lors d’une interview à la chaîne MSNBC en mars, Gabrielle Giffords avait dénoncé les déclarations virulentes à son encontre en provenance du camp républicain. Elle a notamment évoqué une carte diffusée par l’ancienne candidate à la vice-présidence, Sarah Palin. Cette carte, établie par son Comité d’action politique (PAC), montrait une Amérique émaillée de viseurs de fusils. Chaque viseur désignait une circonscription que le camp Palin souhaitait conquérir. La 8e circonscription de l’Arizona, celle de Gabrielle Giffords, était « visée ».

« Quand les gens font ce genre de choses, ils doivent se rendre compte que ces actes ont des conséquences », avait-elle alors déclaré. Samedi, Sarah Palin a présenté ses condoléances aux victimes, condamnant l’attaque sur sa page Facebook.

 

Gabrielle GiffordsEtats-Unis : une députée entre la vie et la mort après une fusillade

09 jan

Gabrielle Giffords, une parlementaire américaine, se trouvait dans un état critique, dimanche 9 janvier, après avoir été la cible d’un homme qui a ouvert le feu lors d’un meeting politique en Arizona, samedi. Mme Giffords a été atteinte d’une balle en pleine tête alors qu’elle discutait avec ses électeurs sur le parking d’un supermarché de Tucson.

Un jeune homme de 22 ans a tiré une vingtaine de fois avec une arme semi-automatique, touchant l’élue et plusieurs autres personnes présentes sur place. La fusillade a fait six morts, dont Christina Green, une fillette de 9 ans, et John M. Roll, un juge fédéral qui avait 63 ans. Treize personnes ont également été blessées, dont plusieurs se trouvent dans un état grave.

Samedi, plusieurs médias, citant le bureau du shérif, avaient annoncé que Mme Giffords, élue démocrate dans l’Arizona depuis 2007, était décédée. Les autorités médicales ont ensuite démenti cette information, déclarant qu’elle subissait une intervention chirurgicale au Tucson’s University Medical Center. Les médecins qui l’ont opérée se sont dits prudemment optimistes sur ses chances de survie, selon un proche de l’élue. « C’est une blessure aux effets très dévastateurs », ont confié les médecins.

UN TIREUR « AU PASSÉ TROUBLÉ »

Le tireur, qui a été arrêté alors qu’il tentait de s’enfuir, a été identifié comme étant Jared Lee Loughner. Selon les autorités locales, il était connu des services de police. Clarence Dupnik, shérif du comté de Pima, l’a décrit comme un homme « au passé troublé ».

Des comptes attribués au tueur ont été retrouvés sur plusieurs réseaux sociaux, dont Facebook et YouTube. Loughner y dénonce le gouvernement et la religion, appelle à la création d’une nouvelle monnaie et regrette que l’administration contrôle la grammaire. Il cite pêle-mêle l’écrivaine Ayn Rand, Adolf Hitler ou le Manifeste du Parti communiste. Le FBI s’emploie à déterminer s’il s’agit de la même personne que le tireur.

POSSIBLE COMPLICE

Loughner est actuellement incarcéré à Tucson et garde le silence, refusant de coopérer lors de son interrogatoire. Le président américain Barack Obama, qui a qualifié la fusillade de « tragédie innommable » et d’« acte insensé », a envoyé sur place le directeur du FBI, Robert Mueller. Les autorités locales sont actuellement à la recherche d’un complice. Selon le shérif Dupnik, « il y a des raisons de croire que [le tireur] est venu là avec un autre individu ». Une image d’une caméra de surveillance montrant un homme d’une cinquantaine d’années a été diffusée dans la presse américaine.

Gabrielle Giffords était entrée au Congrès en janvier 2007. Elle faisait partie des dix élus démocrates victimes de harcèlement en raison de leur soutien à la réforme du système de santé américain défendue par l’administration démocrate. Première conséquence de cette fusillade, les élus américains ont décidé de reporter un vote visant à abroger cette réforme, prévu la semaine prochaine.

Biography

Ms. Giffords was born in Tucson, graduated from Cornell University and Scripps College and worked in both economic development and her family’s tire and automotive business before entering politics.

She served in the Arizona Legislature from 2001 through 2005. After serving in the Arizona House of Representatives, she became the youngest woman ever elected to the Arizona State Senate.

Tapped by her party in 2006 to run for the House of Representatives, Ms. Giffords, helped by her connections within her district and a weak Republican opponent, prevailed, becoming the state’s first Jewish congresswoman and the third woman ever to represent Arizona.

Prior to heading to Washington, she was a member of the Arizona House and Senate. During her 2006 campaign, she stressed her ability to work across party lines, saying she had been a Republican until 1999.

In 2007, she married a Navy captain, Mark E. Kelly, making her the only member of Congress with an active-duty spouse.

The two met in China, as young leaders selected by the National Committee on U.S.-China Relations, and have spent much of their relationship apart, due to their respective professional lives. Mr. Kelly has been an astronaut since 1996.

“The longest amount of time we’ve spent together is probably a couple of weeks at a stretch,” Mr. Kelly told The New York Times in an article that talked about their wedding. “We won’t always live this way, but this is how we started. It’s what we’ve always done. It teaches you not to sweat the small stuff.”

 

MONTRÉAL VIRTUEL ET PLUS QUE RÉEL. MOHAMMED AZIZ

17 août

DÉCOUVREZ

http://www.mohammedaziz.com/

Le photographe de l’imaginaire et virtuose de la virtualité.  Un artiste au talent sublime qui a la folie de sa ville, Montréal.  Jamais Montréal n’a été aussi bien célébré.  Découvrez, visitez et vivez la ville en couleurs et en action.  Partout, ici pour les amoureux de Montréal, les passionnés de Montréal, les vrais acteurs de la ville.  Ailleurs au monde, les esprits créatifs et toute la dynamique globale du développement urbain total, les artistes du réel et de l’imaginaire, les spécialistes du développement durable, les philosophes d’un art nouveau et immédiat, conjuguent leur vision que Mohammed Aziz a mis en forme :

MOHAMMED AZIZ :

Mohammed AZIZ

D’où je viens? Où je vais? Le voyage importe peu, pourvu que l’horizon soit vaste…

Natif de la ville d’Annaba en Algérie,  Mohammed AZIZ, diplômé de l’École nationale des Beaux-arts et des Arts appliqués à l’industrie à Bourges (France) se spécialise en publicité et exerce comme graphiste dans un studio de publicité à Paris.

Il rentre en Algérie où il est nommé chef de division publicitaire au Ministère de

la Jeunesse et des Sports.   Il s’occupe notamment de la conception du sigle, des couleurs officielles, des pictogrammes, des affiches,  des timbres-poste, des brochures, des prospectus des IIIème Jeux Africains d’Alger.  Il a supervisé durant quatre ans les travaux d’imprimerie à Alger et à Genova (Italie) dans le cadre des VIIème Jeux Méditerranéens d’Alger, des Ier Jeux Sportifs Nationaux, des IIIème Championnats Africains de hand-ball d’Alger et ainsi que des IIIème Jeux Africains d’Alger.

Son talent fut honoré par le Comité International Olympique (CIO) et le gouvernement algérien pour la création des pictogrammes des IIIème Jeux Africains, pour lesquels il s’était inspiré du le patrimoine algérien des fresques du Tassili-n-Ajjer (Peintures rupestres du Sahara algérien).

Mohammed AZIZ, toujours en quête de nouveaux défis, complète un certificat en photographie à Liège en Belgique, s’installe à Montréal et y exerce en conception graphique, réalisation de maquettes et montages de manuels puis lance sa propre compagnie BAT Design.

Depuis, il se spécialise en traitement de l’image.  Il collabore entre autres avec des magazines prestigieux  tels Décormag, Santé, Le Bel Âge et Son Hi-Fi Vidéo.

Passionné de nouvelles technologies, il adopte la photo numérique.  Aujourd’hui riche de son expérience sur les continents africain, européen et nord américain, il partage son temps entre la création graphique, la peinture et les prises de vues où il se spécialise

en montages QuickTime Virtual Reality sphériques.

Contact : Par courriel : aziz@montrealenimages.com This e-mail address is being protected from spambots. You need JavaScript enabled to view it

• par téléphone : 514 572-7193

 
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